Führer durch das k. k. österreichische Museum für Kunst und Industrie

by K.K. Österreichisches Museum für Kunst und Industrie

KERAMIK.

Die keramische Sammlung ist im neuen Museumszubau im ersten Stock aufgestellt und gibt ein anschauliches Bild der Entwicklung dieses Industriezweiges von der Antike bis in die Gegenwart.

Der Töpferton, ein Verwitterungsprodukt tonerdehaltiger Gesteine, ist teils seiner natürlichen Beschaffenheit nach, teils infolge künstlicher Beimengungen ein Material von außerordentlich mannigfaltigen Qualitäten, dessen Verwendung in die Frühzeit menschlicher Kultur zurückreicht. Verschiedenheiten des keramischen Produktes ergeben sich aus der Beschaffenheit und Zusammensetzung des Tones, der Stärke des Brandes, sowie aus der Art des Überzuges, der Glasur.

Die wichtigsten Etappen in der Entwicklung der europäischen Keramik bilden die Erfindung der Töpferscheibe, die Anwendung der Zinnglasur und damit die Herstellung der echten Fayence und die Entdeckung des Kaolintones, wodurch die Herstellung keramischer Erzeugnisse ermöglicht wurde, welche dem ostasiatischen Porzellan in allen wesentlichen Eigenschaften gleich kommen.

Die Aufstellung beginnt links vom Haupteingange mit der Sammlung antiker Vasen und Terrakotten.[27]

ANTIKE KERAMIK.

Die keramischen Erzeugnisse der alten Griechen wurden schon zu Zeiten Homers, also um das Jahr 1000, auf der Drehscheibe hergestellt. Sie sind uns zu Tausenden erhalten geblieben, da die Gräber der Verstorbenen nach antiker Sitte mit typischen Objekten aus dem Hausrate der Lebenden ausgestattet wurden. Ihre rote Farbe verdanken diese Erzeugnisse einem künstlichen oder bereits von Natur aus vorhandenen Zusatz von Eisenoxyd. Die meisten der Gefäße zeigen entweder schwarze Malerei auf rotem Grunde oder rot ausgesparte Darstellungen auf schwarzem Grunde. Die Malerei erfolgte auf dem noch ungebrannten Gefäße mittels einer schwarzen Farbe, die vermutlich aus Eisenoxyd und Mangan bestand. Gelegentlich wurde die Einförmigkeit dieser Malweise durch stellenweise aufgesetztes Weiß, Rot, Blau, Gold und so weiter unterbrochen. Das fertig gemalte Gefäß wurde sodann einem Brande ausgesetzt, der ihm entsprechende Härte und Glanz verlieh.

Die Sammlung antiker Vasen und Terrakotten im Österreichischen Museum umfaßt zwar bloß gegen tausend Nummern, übertrifft aber nicht nur in bezug auf Formenreichtum, Repräsentation verschiedener Entwicklungsperioden und Fabrikationsgebiete zahlreiche weit größere und ältere Kollektionen, sondern enthält auch einzelne Objekte, die vermöge ihrer Schönheit und Seltenheit in der Gesamtgeschichte der antiken Keramik einen hervorragenden Platz einnehmen.

Die Objekte sind nach historisch-geographischen Gesichtspunkten systematisch geordnet und aufgestellt. Nur in der Aufstellung der Sammlung Blum-Blankenegg mußte, den Schenkungsbedingungen zufolge, von der systematischen Aufstellung abgegangen werden, so daß sie ein von dem übrigen Bestande getrenntes Ganze bildet.

Im ersten Wandschrank rechts repräsentieren die Reihen 1 und 2 die ersten Entwicklungsstadien griechischer Keramik, aus freier Hand ohne Benützung der Drehscheibe geformte Gefäße der vorphönizischen Nekropolen von Cypern. Diese Arbeiten zeichnen sich nicht allein durch primitive Einfachheit der Technik aus, sondern zeigen auch, wie die Bildsamkeit des Tones die schöpferische Phantasie bereits in den Anfangsstadien der Entwicklung einer keramischen Industrie zu überraschendem Formenreichtum verlockte. Die späteren Arbeiten dieser Gattung sind bereits unter Anwendung der Drehscheibe entstanden. Arbeiten der zweiten Periode der griechischen Keramik, des mykenischen Stiles, sind in der Sammlung nicht vertreten. Der folgende Stil, der nach dem Tore von Athen, in dessen Nähe die bedeutendsten Funde gemacht wurden, Dipylonstil heißt, ist dagegen in mehreren Beispielen repräsentiert. Die Arbeiten dieser Gattung setzen die geometrische Verzierungsweise der ersten Periode fort, ohne die Errungenschaften mykenischer Kunst, namentlich nach technischer Richtung zu ignorieren. Die Formen sind weniger willkürlich, in der Dekoration herrschen geradlinige Kombinationen vor: Mäander, Hakenkreuz, Zickzack, Schachbrett- und Rautenmuster, durch Tangenten verbundene Kreise etc. Daneben tritt die Sternrosette als Füllungsornament auf. An die Stelle der maritimen Tiermotive des mykenischen Stiles treten rohe, dem Geiste der Linienornamentik sich nähernde Tier- und Menschenfiguren. Unter diesen Typen ist namentlich der große Krug Nr. 30 charakteristisch, in dessen Dekor sich liebevolle Sorgfalt mit schematischer Trockenheit gepaart zeigen. Als gut erhaltene altapulische Arbeiten verdienen hier auch die zwei buntbemalten Lampenständer, „Thymiaterien“, Nr. 40 und 41 hervorgehoben zu werden.

Im nächsten Schranke sehen wir Vasen des VII. Jahrhunderts, bei denen der linearen Ornamentik im Dipylonstil das Auftreten phantastischer und exotischer Tiergestalten im korinthischen Stile folgt. Derselbe steht unter dem Einflusse der Euphratländer und Ägyptens. Die Vasenmalerei ergeht sich in der Darstellung von Greifen, Sphinxen, Sirenen, fischleibigen Dämonen, Löwen, Panthern etc., oft in Streifen eintönig nebeneinander gereiht, während das vegetabilische Ornament Lotosknospen und -blüten sowie die ebenfalls aus Ägypten stammende Palmette verwendet. Daneben tritt der Mensch auf. Typisch sind Kampfszenen, Frauenreigen, später auch tanzende Männer in absichtlich grotesker Zeichnung. Der Tongrund ist bei den älteren Stücken hellgelblich bis ins Grünliche, bei den späteren rötlich. Hierher gehören die kleinen kugelförmigen Ölgefäße der obersten Reihe, die schlauchförmigen Tropfgefäße der dritten Reihe, verschiedene Formen der Deckelbüchse, Reihe 4, Nr. 114 bis 120, die Trinknäpfe, Reihe 2, Nr. 89 bis 91, und die für die korinthische Kunstweise dieser Periode überaus charakteristischen Krüge, mit umlaufenden Tierfriesen, unterste Reihe, Nr. 125 und 128.

Im folgenden Schranke sind hauptsächlich schwarztonige Gefäße etruskischer Herkunft (Bucchero, Vasen) ausgestellt, Näpfe, Becher, Kannen und Amphoren, die durch Dämpfung eine schwarze Färbung erhielten, in der folgenden Reihe Amphoren mit in Relief verzierten Bandhenkeln, rechts Nr. 206 das interessanteste Stück, ein mit sieben Sphinxen in Relief verzierter Krug der voll entwickelten Bucchero-Technik. In der Mitte der dritten Reihe eine kyrenäische Schale (Nr. 140), das einzige Stück dieser Art in der Sammlung. Unter dem Schranke, freistehend, etruskische Aschenurnen mit liegenden Figuren auf den Deckeln.

Die nun in chronologischer Folge anschließenden schwarzfigurigen Gattungen sind in verschiedenen Schränken untergebracht. Zum Eingang zurückkehrend finden wir im linken Schranke in der Mitte der oberen Etage einen jonischen Deinos auf hohem Untersatz Nr. 215, zu beiden Seiten die nach ihrem Fundorte, dem etruskischen Caere benannten Caeretaner Vasen. Ihr Fabrikationsort dürfte in einer der jonischen Kolonien Ägyptens zu suchen sein, wo diese in Sammlungen nur selten vertretene Klasse im VI. Jahrhundert den Abschluß der jonisch-kleinasiatischen Vasenmalerei bildet. Die zwei Hydrien unserer Sammlung zählen zu den bedeutendsten existierenden Stücken dieser Gattung; ein besonders bemerkenswertes Objekt ist überdies der danebenstehende vorzüglich erhaltene Dreifuß altattischen Stiles aus Theben. In der darunter befindlichen Reihe finden wir Vasen (Nr. 220 und 221), die gleichsam ein Resumé der verschiedenen vorangegangenen Kunstweisen bilden.

Zum vierten Wandschrank zurückkehrend, finden wir kleinere attische schwarzfigurige Lekythen (Salbgefäße mit langem, engem Hals und trichterförmiger Mündung (Nr. 241-271), worunter namentlich Nr. 264 hervorzuheben ist) mit der ältesten Kopie der berühmten Statuengruppe des Antenor, die Tyrannenmörder Harmodios und Aristogeiton. Die größeren und bedeutenderen attischen Vasen dieser Periode sind in den beiden gegenüberliegenden freistehenden Schränken ausgestellt.

Die altattische Freude an reichem figuralen Schmuck, der alle Teile des Gefäßes bedeckt, erfährt bereits merkliche Einschränkungen, denn in der Keramik Athens machen sich im Laufe des VI. Jahrhunderts zwei Richtungen geltend: eine, die auf ausgiebige Verwendung der schwarzen Firnisdecke hinzielt und die auf die spätere Keramik Korinths zurückzuführen ist, und eine andere, die zugunsten eines ausgiebigen figuralen und ornamentalen Schmuckes auf die Firnisdecke verzichtet und als das kleinasiatische Dekorationsprinzip bezeichnet werden kann.

In dem Bestreben, beide Prinzipien zu vereinigen, liegt der Anfang des rotfigurigen Stiles. Den Übergang vom schwarzfigurigen zum rotfigurigen Stile bilden jene Vasen, welche die Malerei auf einzelne rechtwinkelige abgegrenzte Felder beschränken und im übrigen den schwarzen Firnisüberzug aufweisen. Beispiele solcher Art in den beiden gegenüberliegenden freistehenden Schränken. So die prächtige Hydria Nr. 222 und die Amphoren (Vorratsgefäße für Öl oder Wein) Nr. 223 bis 225. Der daneben befindliche Deinos Nr. 235 mit einer figurenreichen Darstellung auf dem oberen Rande gehört einer jüngeren Stilrichtung an.

Unter den attischen Vasen des späteren schwarzfigurigen Stils mit Meisternamen, von welchen die Sammlung mehrere besitzt, sind namentlich die Amphoren des Nikosthenes (Nr. 231 und 232) hervorzuheben. Sie lehnen sich mit Rücksicht auf ihr Hauptabsatzgebiet an etruskische Formen an, haben breite, wie aus Metallblech geschnittene Henkel und wie aus Streifen zusammengesetzte Körper. Bevor die rotfigurige Technik den Sieg davontrug, gab es eine Übergangszeit, in der beide Techniken verquickt erscheinen, wie dies bei der Amphora Nr. 319 im dritten der freistehenden Schränke der Fall ist, einem Stücke, das in mehr als einer Hinsicht zu den bedeutendsten der Sammlung zählt und drei Entwicklungsperioden an sich vereinigt: Am unteren Teile des Gefäßes Ornamente des älteren Stiles, am oberen rotfigurige Darstellungen, am Halse Dionysische Gruppen in schwarzfiguriger Technik. Der Übergang von der schwarzfigurigen zur rotfigurigen Technik geschah an den sogenannten „Augenschalen“, Schalen mit großen menschlichen Augenpaaren zum Schutze vor dem „bösen Blick“, wie zum Beispiel Nr. 285. Hier ist das Innere der Schale bis auf ein Mittelrund, in dem das Gorgonenhaupt erscheint, gefirnißt. Wahre Prachtstücke aus der Blütezeit der Schalenmalerei sind im vierten freistehenden Schranke Nr. 323, 324 und 3235, eine von Hieron, zwei von Duris bemalt; namentlich muß Nr. 325 mit Szenen aus dem troischen Sagenkreis als eine typische Musterleistung des letztgenannten Malers bezeichnet werden.

Die Krone der ganzen Sammlung ist aber das im danebenstehenden Schranke befindliche große napfförmige Mischgefäß Nr. 328 mit Szenen aus der Ilias. Ihre Ergänzung finden diese Stücke zum Teil in der darunter befindlichen Reihe. Hier ist die Schale Nr. 321 „Hermes als Schelm“ besonders interessant. Auch die Vasen der unteren Reihe in dem vor dem Fenster stehenden Schranke Nr. 340 ff. gehören hierher.

Wurden im strengen Stile die für das Symposion bestimmten Vasenformen von den Malern bevorzugt, so begünstigt der schöne Stil die Gefäße für den Putztisch der Frauen. Als Beispiel hierfür mögen die kleinen Salbgefäße, Fensterschrank obere Reihe, Nr. 354 ff., dienen, Stücke, bei welchen überdies in der Anwendung aufgehöhten Goldes und polychromer Malerei eine weitere technische Wandlung zu verzeichnen ist.

Eine eigenartige Gruppe attischer Keramik bilden die Salbgefäße für den Totenkult, die Grab-Lekythoi. Bei der feierlichen Aufbahrung des Leichnams wurden sie, mit Wohlgerüchen gefüllt, neben demselben aufgestellt, bei seiner Bestattung folgten sie ihm als Liebesgabe in das Grab. Diese Gefäße sind häufig mit einer weißen Engobe versehen, und die Konturen der Figuren sind mit Deckfarben ausgefüllt. Die Darstellungen stehen in naher Beziehung zu ihrer Bestimmung. Unter den Lekythen unserer Sammlung ist Nr. 351 mit der Darstellung einer Totenklage ein Stück von seltener Schönheit. In demselben Schranke verdienen ferner zwei Becher, ein „Kantharos“ in Form eines Mohrenkopfes, untere Reihe, Nr. 347, eine treffliche, sorgfältige Arbeit, und ein „Rhyton“ (Trinkbecher) in Form eines Fuchskopfes, Nr. 380 (obere Reihe), besonders hervorgehoben zu werden.

Attische Gefäße aus der Zeit des rotfigurigen Stiles ohne Bemalung finden wir im folgenden Wandschrank, obere Reihe, Nr. 401 ff. Hierher gehört auch der einzeln aufgestellte große prächtige Krater (Mischgefäß) mit vergoldeten Weinranken aus Capua.

Im vorher beschriebenen Wandschrank sowie in dem zweitfolgenden befinden sich hauptsächlich etruskische, zum Teil unter attischem Einflusse entstandene, ferner apulische und unteritalische Arbeiten. Unter den erstgenannten ragt die Kanne in der obersten Reihe links, Nr. 452, durch reiche sorgfältige Bemalung mit dionysischer Szene besonders hervor. Ferner verdienen die einer späteren Periode angehörenden apulischen Kopfvasen, Nr. 489 bis 491, und die mit weißer, gelber und roter Farbe bemalten sogenannten Vasi di Gnathia, Nr. 508 ff., hervorgehoben zu werden.

Zwischen diesen beiden Vitrinen befindet sich die mit der Sammlung griechischer Terrakotten aus Lokris, Cypern, Kleinasien, Syrakus, Tarent und aus unbestimmten griechischen und italischen Fundorten. Unter diesen Arbeiten sind einige Tanagrafiguren von hervorragender Schönheit besonders bemerkenswert. So die weibliche Figur, Reihe 3, Nr. 794, eine der besten Schöpfungen der tanagräischen Tonplastik, und Nr. 795, eine sorgfältige, schöne Arbeit von unzweifelhafter Echtheit, der Hermaphrodit aus Myrina der alexandrinischen Zeit angehörend, die Appliken mit Spuren von Vergoldung aus Tarent und die drei Puppen mit beweglichen Gliedern Nr. 891 ff. Überdies ist hier die große Anzahl von Repliken aus der Niobidengruppe (Reihe 1 und 2, Nr. 860 ff.) hervorzuheben.

Im letzten Schranke dieser Reihe sind verschiedene Typen italischer Lampen ausgestellt: Nr. 638 und 639 in Figurenform, 641 und 642 maskenförmig, 673 bis 696 mit figuraler Reliefpressung usw. Überdies sind hier die Calener Schale, Nr. 573, die Stempelform zu einer solchen Schale, Nr. 574, die sogenannten megarischen oder samischen Reliefschalen, Nr. 580 und 581, ein in der Masse krebsrot gefärbtes sogenanntes Terrasigillata-Gefäß, Nr. 587, und der römische Trinkbecher mit Reliefs und grüngelber Bleiglasur hervorzuheben.

In dem Schranke an der Eingangsseite rechts befindet sich die Sammlung Blum-Blankenegg. Hier sind in der untersten Reihe besonders bemerkenswert die zu den ältesten Vasengattungen gehörende ringförmige böotische Kanne Nr. 36, die Amphora späten korinthischen Stiles mit dem laufenden geflügelten Gorgonen Nr. 136, der altattische Teller mit Herakles, den kretischen Stier einfangend, Mitte Nr. 240, und der Aryballos mit dem Brustbilde der Artemis Nr. 363.

Frei aufgestellt finden wir ferner kolossale rottonige Vasen und große Schüsseln mit Reliefs sogenannte „Rotware“, in prächtigen Exemplaren. Die Dekoration ist mit Stempeln hergestellt, statt der Malerei sehen wir fries- oder streifenartig angeordnete Reliefverzierungen. Die Vorratsgefäße (Pithoi) zeigen überdies Riefelungen, die zugleich als Verstärkungsrippen dienen, und aufgelegte einfache Dekorationsmotive, wie Bogen, Zickzacklinien, Augen u. dgl.

Sodann haben, ebenfalls in freier Aufstellung, große spätantike Spitzamphoren, provinzielle Erzeugnisse aus Tharros in Sardinien, Platz gefunden. Überdies befinden sich an der Wand oberhalb der Schränke griechische und italische Architekturdetails dekorativer Art, zum Teil Spuren von Bemalung aufweisend.

Auf dem Eckschranke, frei aufgestellt, befindet sich eine Frauengestalt, eine Klagefrau mit erhobenen Händen und mit Spuren von Bemalung. Daneben eine große Grabvase, mit Gorgonenrelief und frei abstehenden Figuren, beide Stücke aus Apulien.

Unterhalb des Schrankes mit den römischen Lampen haben, obwohl sie das Gebiet der Keramik nicht berühren, Mumienmasken und Büsten der griechisch-römischen Periode aus Oberägypten Aufstellung gefunden.

Die Sammlung keramischer Objekte vom Ausgange der Antike bis in die Gegenwart umfaßt über 6000 Objekte, von welchen jedoch wegen Raummangels ein Teil in der ostasiatischen Sammlung im zweiten Stock und ein anderer ausgeschieden und im Depot untergebracht ist. Die Objekte sind nach historisch-topographischen Gesichtspunkten in der Weise systematisch aufgestellt, daß man an der Eingangsseite zunächst die orientalischen Erzeugnisse vor sich hat.

PERSISCHE UND TÜRKISCHE FLIESEN, WANDBEKLEIDUNGSPLATTEN AUS MOSCHEEN, GRABBAUTEN ETC.

Die echte Fayence, das heißt die keramischen Erzeugnisse mit undurchsichtiger Zinnglasur, reicht im Orient in sehr frühe Zeit zurück. Die ältesten auf uns gekommenen Stücke, in den Trümmern von Susa entdeckte, in Relief geformte Wandbekleidungsziegel mit bunten Zinnglasuren, stammen vom Palaste Darius I. (um 500 v. Chr.), sind aber ohne Zweifel späte Produkte einer aus älteren Kulturen Babylons oder Ninivehs stammenden Technik. Neben der Anwendung von Zinnglasuren ging unausgesetzt die Erzeugung von Fliesen mit durchsichtigen Bleiglasuren einher. Die einen wie die andern bestehen aus einer sandigen mit wenig Ton gemengten Masse, die mittels einer alkalischen Fritte zusammengebacken ist. Die ältesten Stücke unserer Sammlung reichen in das XIII. Jahrhundert zurück, das ist die Zeit, aus welcher die ältesten Fliesen mit Metallüster bekannt sind. Hierher gehören die mit braunrotem Kupferlüster verzierten Stern- und Kreuzfliesen aus der Imamzade Jahya (Heiligengrab des Johannes) zu Veramim bei Teheran. Zu dieser Gattung zählen auch die kleinen lüstrierten Sternfliesen mit Tierfiguren und blauen Rändern, deren Erzeugung vom XIII. bis zum XV. Jahrhundert reicht. Aus dem XIV. Jahrhundert stammen die in Relief geformten Fliesen mit blauen Koraninschriften auf ornamentiertem Lüstergrunde. Ebenfalls noch dem Mittelalter gehören die lasurblauen und türkisblauen Fliesen mit Vergoldung in Blattgold an. Die dunkelblauen Stücke zeigen überdies eine ungemein zarte Musterung mit kleinen weiß aufgemalten Ornamenten. In der Art der berühmten Fliesen von den Bauten des Osmanensultans Muhamed I. in Brussa (XV. Jahrhundert) sind die Stücke mit weiß ausgesparten Inschriften oder Ornamenten auf kobaltblauem Grunde, wobei in die weißen Ornamente bunte Pflanzenmotive hineingemalt sind. Derselben Periode gehören die geschnittenen Mosaikfliesen mit Inschriften und Ornamenten an. Ihre Entstehung ist auf das Einlassen von Koransprüchen u. dgl., die aus glasierten Fliesen geschnitten waren, in die Rohziegelwand hervorragender Gebäude zurückzuführen. Im weiteren Verlauf entwickelte sich aus dieser Bauverzierung eine der schwierigsten keramischen Techniken, die des vollständigen, ganze Flächen mit Ornamenten und Inschriften überziehenden Fliesenmosaiks aus eigens geschnittenen farbigen Platten verschiedenster Form. Zu höchster Prachtentfaltung hat sich diese Technik in der gegenwärtig dem Verfall entgegengehenden sogenannten Blauen Moschee in Täbris aufgeschwungen. Eine Gattung, die namentlich im XVI. und XVII. Jahrhundert zur Zeit der Sefevidendynastie eifrig gepflegt wurde, repräsentieren die Fliesen mit prächtigen Blumen und Rankenverzierungen in Dunkel- oder Türkisblau, Grün und Manganviolett auf weißem Grunde. In der neupersischen Kunst, das heißt seit dem XVI. Jahrhundert, nähern sich diese Pflanzenformen immer mehr der natürlichen Erscheinung der Pflanze. Ein besonders prächtiges Beispiel ist die in der Mitte der Wand angebrachte und über diese emporragende Kielbogenfüllung, aus 16 Fliesen bestehend, mit persischem Rankenwerk, von großem, rotem chinesischen Wolkenband durchzogen, ein Wandschmuck aus der Moschee Piali Pascha in Konstantinopel, 1565 bis 1570.

Eine Ergänzung findet diese Fliesenkeramik in den Gefäßen und Moscheekugeln, welche in den beiden Schränken an den gegenüberliegenden Wandpfeilern ausgestellt sind. Besonders bemerkenswert ein dunkelblaues vasenartiges Gießgefäß des XIII. Jahrhunderts aus Rhages, mit Überglasurdekor in Weiß, Rot und Gold, eine hellgrüne Flasche mit weißen Blumenstauden (Untersatz einer Wasserpfeife), XVII. Jahrhundert, eine ebensolche Moscheekugel und eine besonders große derartige Kugel des XVI. Jahrhunderts, im Rhodos-Stil verziert. Überdies zahlreiche sogenannte Rhodos-Teller und persische Nachahmungen des chinesischen Porzellans. Die sogenannten Rhodos-Fayencen sind keramische Arbeiten, die an den Ufern des Bosporus, in Kleinasien, Syrien und Ägypten angefertigt wurden. Die Masse ist ähnlich der der persischen Fayencen. Der vorwiegend weiß gelassene Grund ist auf eine Angusschicht zurückzuführen, über welcher die farblose Glasur liegt. Die zur Bemalung verwendeten Farben sind dieselben wie in Persien, bereichert durch ein feuriges Rot, eine Farbe, die aus verriebenem Bolus besteht, der dick aufliegend, eine etwas erhöhte Schichte bildet und unter dem Schutze der Glasur vor dem Abreiben bewahrt wird. Die Ornamentik setzt sich der Hauptsache nach aus Blumen (Tulpe, Nelke, Rose, Hyazinthe), aus den federartigen Blättern und blütenartigen Palmetten des persischen Rankenwerkes und sonstigen Elementen, wie Zypresse, Wolkenband etc., zusammen. Einige vorzügliche Schüsseln mit dem charakteristischen schwarzen Schnörkelwerk aus kleinen Spiralen, ein Blumentopf mit eckigem Henkel und Spuren von Vergoldung, Krüge und sonstige Gefäße veranschaulichen diese eigenartige und zu den mustergültigsten Schöpfungen der Keramik gehörende Gruppe in mannigfacher Art. Eine Zuweisung der einzelnen Objekte an bestimmte Fabrikationsorte ist der Forschung bisher nicht gelungen, nur eine Gruppe von Erzeugnissen, für welche der Krug mit Zinndeckel (Reihe 3) charakteristisch ist, wird als damaszenisch angesehen.

An der über Eck gestellten Wand, anschließend an die persischen Fliesen, sind spanische Azulejos ausgestellt. An Stelle der ursprünglichen kleinen Mosaikfliesen in geometrischen Formen hat man im XV. Jahrhundert auf orientalische Anregung hin der einfacheren Herstellung wegen größere quadratische Wandverkleidungsplatten angefertigt, auf welchen die Umrisse des Musters durch Formpressung in erhabenen Linien erscheinen, zwischen denen die farbigen Glasuren eingebettet waren, wodurch man eine mosaikartige Wirkung erreichte. Im XV. Jahrhundert trat an Stelle des alten geometrischen Musters und der geradlinigen Bandverschlingungen das Renaissanceornament. Hauptort dieser Industrie war Sevilla.

SPANISCH-MAURISCHE FAYENCEN.

Im ersten Schranke des auf die antiken Vasen folgenden Kompartiments sind die spanisch-maurischen Fayencen mit Lüsterdekor ausgestellt, Arbeiten, die den Übergang von den orientalischen Fayencen zu den italienischen Majoliken bilden. Die ältesten Nachrichten über diese Fabrikation reichen bis ins XII. Jahrhundert zurück. Mittelalterliche Stücke aus sarazenischer Zeit sind aber äußerst selten. Von der berühmten Alhambra-Vase aus dem XIV. Jahrhundert in Goldlüster und Blau gibt eine Kopie von Th. Deck in der Ecke links neben dem Eingange ungefähr eine Vorstellung. Die Mehrzahl der auf uns gekommenen spanisch-maurischen Fayencen besteht aus Schüsseln, Becken und Töpfen. Sie sind innen und außen mit gelblich getönter Zinnglasur überzogen und auf der Rückseite wie auf der Schauseite mit einer Verzierung in Goldlüster versehen. Manchmal tritt stellenweise Bemalung in Kobaltblau hinzu, auch Buckelungen nach Art getriebener Metallgefäße sind beliebt. Im XV. und XVI. Jahrhundert werden die Flächen durch Verteilung der Muster in Felder und Bordüren noch scharf gegliedert, Blattwerk erscheint hierbei gotisch stilisiert, die maurischen Schriftzeichen werden verständnislos ornamental verwendet, wovon die große Schüssel mit Kupferlüster, Reihe 3 rechts, ein Beispiel gibt. In späterer Zeit erscheinen an Stelle des prächtigen Goldlüsters dunklere Töne und vom XVIII. Jahrhundert an beginnt der Lüster eine grelle kupferrote Färbung anzunehmen. In der untersten Reihe sind Schüsseln, ebenfalls mit Metallreflex aus Diruta unweit Perugia ausgestellt.

ITALIENISCHE FAYENCEN (MAJOLIKEN).

Die italienischen Fayencen sind Töpfererzeugnisse mit deckender Zinnglasur, welche noch vor dem Brande mit Scharffeuerfarben bemalt wurden. Im Brande verschmolzen die Farben mit der Glasur und erhielten dadurch Glanz und Leuchtkraft. Um die Mitte des XV. Jahrhunderts erreichte die italienische Majolikamalerei eine künstlerische Höhe, von der sie gegen Ende des XVI. Jahrhunderts durch das erwachende Interesse für chinesisches Porzellan allmählich herabsank. Nur in Castelli, wo man sich zu Beginn des XVIII. Jahrhunderts dem Porzellangeschmacke anzunähern suchte, trat eine kurze Nachblüte ein.

In der ersten Blüteperiode (1490-1530) dominiert Faenza (daher Fayencen), in der zweiten (1530-1560) Urbino. Wegen der Ähnlichkeit der älteren Fayencen mit Produkten, die von der im Mittelalter Majolika benannten balearischen Insel Majorca kamen, nannten die Italiener diese Stücke Majolika. Unsere Zeit übertrug diese Bezeichnung auf die italienischen Fayencen der Renaissance überhaupt.

Zwischen dem vorher beschriebenen und dem folgenden Schranke befindet sich eine von milchweißer Zinnglasur in dünner Schicht überzogene Reliefplastik, Madonna mit dem Kinde, eine Arbeit aus den Werkstätten der Della Robia. Luca della Robia, der berühmte Florentiner Bildhauer (1399-1482), gilt nach Vasari fälschlich für den Erfinder der Zinnglasur in Italien. Der übliche blaue Hintergrund und die bunten Fruchtkränze der Umrahmung sind bei diesem Werke weggeblieben, dagegen finden sich Spuren von Goldornamenten am Saume des Kleides der Madonna. Modellierung der Arme und Hände, Ausdruck und Gesamthaltung verweisen das Werk in die Zeit um 1450.

Im folgenden Schranke sind Erzeugnisse verschiedener italienischer Fabriken des XVI. Jahrhunderts ausgestellt. In der obersten Reihe besonders bemerkenswert die Schüsseln aus Caffagiolo, Gubbio (mit Rubinlüster), Pavia (mit Sgraffitodekoration), Castel Durante und Urbino, dem Hauptorte der italienischen Fayenceindustrie, von dem zwischen 1530 und 1620 jene ungeheure Menge von Majoliken ausgegangen ist, die den Weltruhm dieser Industrie begründet hat. Bildmäßige Darstellungen pflegen hier ohne Rücksicht auf die Form die ganze Fläche des Gefäßes zu bedecken. Szenen aus dem Alten Testamente, geschichtliche oder der Sage angehörende Vorgänge nach Livius oder Virgil und die Liebschaften der olympischen Götter nach Ovids Metamorphosen bilden die Hauptgegenstände der Darstellung. In der nächsten Reihe finden wir nebst Stücken aus Ravenna und Castelli in der Mitte eine hervorragend schöne Schüssel aus Siena mit dem Violine spielenden Apollo in der Mitte. Die unterste Reihe enthält durchwegs Arbeiten aus Castelli. Ebenso der folgende Schrank. In dieser zum Königreich Neapel gehörenden Stadt der Abruzzen und in zahlreichen Ortschaften ihrer Umgebung erfuhr die Fayenceindustrie im XVII. Jahrhundert eine späte Nachblüte. Ein Streben, dem Porzellan nahezukommen, ist dabei unverkennbar und kommt in der feinen Masse der gleichmäßigen Glasur sowie in den kalten, zarteren, nur in gebrochenen Tönen zur Verwendung kommenden Farben zum Ausdruck.

Zur duftigen Malweise gesellt sich bei feineren Stücken reichlich verwendete Aufhöhung mit Gold. Die Motive sind der bolognesischen Schule entlehnt, Tierstück, Landschaft, bäuerliches Genre, Bilder religiösen Inhalts, später auch Blumen. Die Ränder der Teller erhalten einen von der Fläche getrennten, oft äußerst reizvoll komponierten Dekor mit Putten und Blumengewinden. An Stelle der Schüsseln treten häufig viereckige oder kreisrunde ebene Platten, manche mit Malersignaturen von Mitgliedern der mit der neapolitanischen Fayencemalerei durch anderthalb Jahrhunderte eng verknüpften Familie Grue. Der hier vorkommende Dr. F. A. Grue lebte von 1686 bis 1746.

Zwischen beiden Schränken: Bacchusknabe der Fabrik Talavera in Spanien (XVIII. Jahrhundert). Im großen Mittelschranke sind besonders die prächtigen Urbino-Fayencen hervorzuheben, an der Stirnseite eine große Schüssel mit dem Sturze der Giganten und darüber eine kleinere mit Venus in der Schmiede des Vulkan, die in Gubbio, wo sich die durch ihren Lüsterdekor berühmte Werkstätte des Maestro Gurgio Andreoli befand, mit Rubinlüster versehen wurde. Zu beiden Seiten und auf der obersten Stufe schöne sogenannte Pilgerflaschen. Die beiden Deckelvasen zu Seiten der Gigantenschüssel sind charakteristische Stücke aus Castel Durante.

An beiden Langseiten sind hauptsächlich Venedig, ferner Urbino und Castel Durante in Schüsseln, verschiedenen Apothekergefäßen und Vasen vertreten, unter welchen zwei muschelförmige Becken mit Schlangengewinden besonders hervorragen. An der Schmalseite am Fenster eine vorzügliche Faentiner Schüssel mit der Anbetung der drei Könige.

Die meisten dieser Majoliken sind Eigentum des Stiftes Neukloster in Wiener-Neustadt.

Im folgenden Schranke an der Fensterseite sind in der obersten Reihe die durch ihr geringes Gewicht auffallenden venezianischen Relieffayencen des XVIII. Jahrhunderts aus der Fabrik Bertolini aufgestellt, dann folgen venezianische Fayencen mit bläulich getönten Glasuren (a berettino), in der dritten Reihe in der Mitte zwei blaue Schüsseln mit Golddekor, eine davon mit dem Wappen des Kardinals Ghislieri (Pius V.), links eine graublau bemalte Schüssel aus Castel Durante, im Fond Herkules im Kampfe mit der lernäischen Schlange, auf dem Rande von Hunden gehetzte Stiere, in der untersten Reihe oberitalienische Fayencen des XVIII. Jahrhunderts, hauptsächlich aus Nove.

Im links folgenden Schranke finden wir in den oberen Reihen Majoliken minderer Qualität aus bereits genannten Fabriken, in der unteren Reihe dagegen prächtige Sieneser Fußbodenfliesen aus dem Palazzo del Magnifico (Pandulfo Petrucci), um 1513, und solche aus dem Hause der heil. Katharina, um 1520. An der Pfeilerwand zwei Schüsseln aus Candiana bei Padua, Nachahmungen der sogenannten Rhodos-Schüsseln, mit Hinweglassung des charakteristischen Rot.

Am Pfeiler gegenüber dem großen Schweizer Ofen sind noch mehrere toskanische Majoliken des XVII. Jahrhunderts aus Montelupo ausgestellt.

FRANZÖSISCHE FAYENCEN.

An der Spitze der Fayenceproduktion der französischen Renaissance stehen die eigenartigen Erzeugnisse des als Autodidakt und ruheloser Erfinder berühmten Bernard Palissy (1506 bis 1590). Seine buntfarbig glasierten und mit plastischen Verzierungen geschmückten Gefäße bilden eine Gruppe von Arbeiten, die eine Zeitlang von andern Werkstätten nachgeahmt und weiter ausgebildet wurde, so daß eine zweifellose Zuweisung derartiger Arbeiten an den Meister vielfach unmöglich ist. Es sind meist große Zierschüsseln mit Schlangen, Eidechsen, Muscheln, allerlei Kräutern und sonstigen Formen, die ihm die Natur seines Aufenthaltsortes in der Saintonge, dem Mündungsgebiete der Charente, darbot. Diese Objekte befestigte Palissy mittels Fäden durch Löcher auf Zinnschüsseln, nahm danach eine Gipshohlform und benutzte diese als Matrizze für seine Tongefäße. In späterer Zeit dienten ihm auch die Metallarbeiten seines Zeitgenossen François Briot als Modelle. Vier Beispiele im ersten Schrank, Reihe 2, der folgenden Abteilung repräsentieren beide Gattungen.

Die Fayenceindustrie von Nevers wurde durch italienische Arbeiter begründet, die Louis von Gonzaga, der Gemahl der Herzogin von Nevers, gegen Ende des XVI. Jahrhunderts dahin berufen hatte. Sie sind in unserer Sammlung durch zwei Objekte, eine Vase und einen Teller in jener schönen blauen Glasur mit Malerei in Weiß und in Gelb und Weiß, vertreten, die für die Arbeiten von Nevers um die Mitte des XVII. Jahrhunderts charakteristisch war, Reihe 2 links. Im XVIII. Jahrhundert wurde in Nevers roh bemalte weiße Fayence erzeugt, wofür die in Reihe 1 an zweiter Stelle befindliche Flasche mit St. Nikolaus ein für die in Nevers beliebte volkstümliche „faience parlante“ mit figürlichen Darstellungen und Inschriften bezeichnendes Stück ist. Die Fayenceindustrie von Rouen in ihren zwei berühmten Verzierungsweisen, dem „style rayonnant“, und dem „décor à la corne“ ist durch eine Reihe guter Beispiele vertreten. Der „style rayonnant“, vom Ende des XVII. Jahrhunderts bis etwa 1740 herrschend und so benannt wegen seines strahlenförmig von der Mitte ausgehenden Dekors mit Ornamentreserven, wird durch drei große Schüsseln und eine Kanne repräsentiert, Reihe 1, weitere Varianten in der Reihe 3 und 4. Den „décor à la corne“ mit dem Füllhorn, den bunten Schmetterlingen und Blumen finden wir in einer Schüssel mit dazugehörender Terrine und in zwei achteckigen kleinen Schalen vertreten (Reihe 3). Im Stile der beiden Bérain, leicht, lose und luftig, nicht strahlig angeordnet, sondern symmetrisch aufsteigend ist das Ornamentierungssystem, das in der ersten Hälfte des XVIII. Jahrhunderts für Moustiers charakteristisch geworden ist, und das die keramische Produktion dieses kleinen Städtchens der Provence zu ähnlich hervorragendem Rang erhoben hat wie die von Nevers und Rouen. Die Muster erscheinen in zarter Blaumalerei auf weißem Grunde, wie es die vier Beispiele der untersten Reihe zeigen. Gegen die Mitte des Jahrhunderts waren neben der berühmten, von Paul Clerissy begründeten Fabrik noch mehrere andere entstanden, die neben Blau auch andere Farben in zarten duftigen Tönen verwendeten, wofür das fünfte Stück dieser Gruppe, der Teller mit Landschaft, Reihe 3, links, ein Beispiel bietet. Die nächste größere Gruppe bilden die Straßburger Fayencen der beiden Hannong, des Paul, 1730 bis 1755, und seines Sohnes Josef. Reinheit der Zinnglasur und ein prachtvolles Karminrot zeichnen diese Fayencen aus, zu deren Charakteristik überdies die spärliche und nur in Muffelfarben vorkommende Verwendung von Blau und die schwungvolle Zeichnung der in einem konventionellen Naturalismus durchgeführten Blumen gehören. Beispiele sind im folgenden Schranke am Fenster in kleinen Gruppen vereinigt. Außerdem befinden sich hier noch einige Fayencen aus Marseille, wo gegen Ende des XVII. Jahrhunderts eine Fayenceindustrie emporblühte, aber kein Genre von stark ausgesprochener Eigenart entstand. Die Formen ahmen vielfach die Muster der Silberschmiede mit ihren aus Fischen, Früchten und Gemüsen gebildeten Deckelknäufen nach, der malerische Dekor folgte dem Beispiele Straßburgs. In dem einen Punkte weicht er aber davon ab, daß an Stelle konventioneller Zeichnung häufig direktes Naturstudium tritt, wie dies namentlich an den in Reihe 1 und 2 ausgestellten Tellern und Schüsseln ersichtlich ist. Wie bei Straßburg das Karminrot, bildet hier das „vert de Savy“, ein besonders leuchtendes Grün, eine Spezialität. Überdies sind die Fabriken von Luxemburg und Creil in der Sammlung durch Einzelstücke vertreten. Ein zierlicher Korb aus dem Ende des vorigen Jahrhunderts und einige Teller bilden zwei frühe Beispiele für Kupferdruck auf Fayence.

DEUTSCHES STEINZEUG.

An Härte dem Porzellan nahekommend, aber weder dessen feine durchscheinende Masse noch dessen Widerstandsfähigkeit gegen raschen Temperaturwechsel aufweisend, bildete das Steinzeug in Deutschland bereits im Mittelalter ein beliebtes Material für Trink- und Schenkkrüge. Die Gegend von Koblenz bis Köln, wo sich die geeignetsten Tonlager für diese Ware befinden, war mit ihren Hauptorten Höhr, Grenzhausen, Siegburg, Köln, Frechen und Raeren im XVI. und XVII. Jahrhundert der Mittelpunkt ihrer Fabrikation. Die Masse brannte sich weiß, grau oder braun und erhielt eine einfache Salzglasur, das heißt in einem bestimmten Stadium des Brandes wurde Kochsalz in den Ofen geworfen, das Chlor entwich als Chlorwasserstoff, und das Natrium verband sich mit der Kieselsäure des Tones und bildete eine dünne Glasur. Aufgelegte Reliefverzierung, den Vorbildern deutscher und französischer Kleinmeister folgend, und mit eingepreßten Zierformen abwechselnd, bildeten das Charakteristische dieser Arbeiten. Sie sind in den folgenden beiden Schränken ausgestellt. In der obersten Reihe des nächst dem Pfeiler befindlichen Schrankes finden wir Westerwälder und Raerener Krüge darunter einen Schnabelkrug nach einem Modell von Hans Hilgers, einen Musketierkrug, einen besonders großen Steinkrug, in der Mitte, und einen Raerener Krug mit Bauerntanz. Die darunter befindliche Reihe besteht aus weißen Siegburger Krügen vom Anfang bis über die Mitte des XVI. Jahrhunderts, beginnend mit den frühen Trichterbechern. In der Mitte zwei prächtige Schnellen mit figuralem Reliefschmuck, am Schluß der Reihe ein Birnkrug des Meisters Anno Knütgen mit dem kursächsischen Wappen, datiert 1574. In der folgenden Reihe spätere niederrheinische Krüge, in der Mitte ein Westerwälder Sternkrug. Zu unterst Steinzeuggefäße des XVII. und XVIII. Jahrhunderts, darunter zwei Perlenkrüge aus Sachsen-Altenburg.

Im folgenden Schranke in der obersten Reihe zwei sogenannte Trauerkrüge mit Kerbschnitt aus Freiberg in Sachsen. Anschließend oben und an der einen Langseite die dunkelbraunen Krüge aus Kreußen bei Bayreuth. Darunter zwei Apostelkrüge, ein Jagdkrug und einer mit den vier Kirchenvätern. Charakteristisch ist ihre niedere Form und der mit Emailfarben und Gold bemalte Reliefdekor. An der andern Langseite besonders hübsche braune Steinzeugkrüge aus Raeren und Köln: Sündenfall-Schnelle, Krug mit Bauerntanz, Schnelle mit den drei göttlichen Tugenden aus der Eigelstein-Werkstatt und andere. In der folgenden Reihe ein Meckenheimer Maßkrug und andere größtenteils niederrheinische Trinkkrüge des XVII. und XVIII. Jahrhunderts, die in der untersten Reihe, wo auch das Steinzeug aus Marburg in Hessen und aus Bunzlau in Preußisch-Schlesien vertreten ist, ihre Fortsetzung finden.

ÖSTERREICHISCHE UND DEUTSCHE HAFNERWARE ETC.

Im folgenden Schrank an der Pfeilerseite ist hauptsächlich die österreichische und deutsche Hafnerware mit Bleiglasur ausgestellt. In der obersten Reihe Ofenmodelle des XVI. bis XVIII. Jahrhunderts und eine Schüssel mit eingeritztem, buntem Flachmuster aus Stadt Steyr. In der folgenden Reihe namentlich bunte Keramiken aus Gmunden: Wöchnerinnenschalen, Weihbrunnkessel, die Henkelschale des Peter Graf, 1627, mit doppelter, durchbrochener Wandung, ein Vogelfutterhäuschen von Ende des XVI. Jahrhunderts ferner Nürnberger Krüge mit bunten Relieffiguren, der eine mit Sandanwurf und Reliefauflagen, polnische Adelige, der andere mit Beerennuppen und der Verkündigung, eine alte deutsche Palissy-Nachahmung mit der Taufe Christi u. a. In der dritten und vierten Reihe einfachere Gmundener Erzeugnisse und Salzburger Keramiken des XVII. bis XVIII. Jahrhunderts. In der Mitte der dritten Reihe Krug mit geflammter Manganglasur und Reliefauflagen aus Brieg in Preußisch-Schlesien. In der letzten Reihe schöne Winterthurer Schüssel von 1691.

Der entsprechende Schrank an der Fensterseite enthält Fayencen und Steingutarbeiten. In der obersten Reihe schwedische Fayencen des XVIII. Jahrhunderts, in den zwei folgenden Trinkkrüge u. dgl. aus Potsdam, Kelsterbach, Nürnberg, Ansbach, Magdeburg, Rheinsberg, Göggingen und Künersberg. An österreichischen Fabriken sind Holitsch, Prag, Teinitz und Frain vertreten.

ÖFEN UND OFENKACHELN.

Neben diesem Schrank befindet sich ein großer achtseitiger bunt [bemalter Ofen] aus dem Zimmer der Weggenzunft in Zürich, ein Werk des Meisters Ottmar Vogler in Elgg vom Jahre 1725, dekoriert von David Sulzer aus Winterthur. Weitere Öfen sind an den Außenseiten der Pfeiler aufgestellt; beim Eingange ein Schweizer Ofen aus dem Ende des XVII. Jahrhunderts mit bunten, reliefierten Kacheln, die vier Tageszeiten in biblischen Allegorien darstellend, die drei folgenden deutsche Erzeugnisse des XVIII. Jahrhunderts, der letzte in der Ecke, mit vergoldeten Ornamenten, eine Grazer Arbeit der Rokokozeit.

Ofen der Weggenzunft in Zürich, bemalt von David Sulzer aus Winterthur, 1725.

⇒
GRÖSSERES BILD

An der Wand gegenüber den Öfen bemerken wir zunächst frei ausgestellt ein großes Weingefäß, eine in Sgraffitotechnik ausgeführte Arbeit des XVII. Jahrhunderts aus Montelupo. Im Anschlusse ist die große Sammlung von Ofenkacheln ausgestellt. Die Reihe beginnt beim Eingang mit einigen zum Teil noch mittelalterlichen Topfkacheln. Es folgen sodann fünf Kacheln des gotischen Ofens aus der Sakristei von St. Stephan in Wien. Nach dem Prinzip der ältesten Ofenkacheln, die napfförmig vertieft waren, um die Ausstrahlungsfläche zu vergrößern, bilden diese Kacheln tiefe Nischen, aus denen die figuralen Darstellungen auf weißem Tongrunde, mit bunten Bleiglasuren bemalt, im Relief hervortreten. Die Eckkachel in der Mitte stellt beiderseitig den Kampf Simsons mit dem Löwen dar und zeigt über Eck gestellt eine frei modellierte weibliche Figur im Kostüm des XVI. Jahrhunderts, ein Wappenschild mit dem Doppeladler, der den österreichischen Bindenschild als Brustschild trägt, haltend. Unterhalb dieser Kacheln befinden sich mit Graphit geschwärzte Reliefkacheln mit Einzelfiguren aus der Folge der drei guten Heiden, Juden und Christen nach Virgil Solis. Eine schöne Salzburger Kachel aus dem Anfange des XVI. Jahrhunderts ist ferner die bunte Kachel links unten in der Ecke mit der Figur eines der heiligen drei Könige. In der folgenden Gruppe sind hauptsächlich Nürnberger Kacheln des XVI. Jahrhunderts zusammengestellt, darunter Kacheln mit perspektivisch dargestellten Renaissancehallen, grün mit stellenweiser Vergoldung und zwischen ihnen die Kachel mit der Venus, eine der besten Arbeiten der deutschen Renaissance auf diesem Gebiete, ferner ornamental verzierte Kacheln von besonderer Schönheit. In der folgenden Abteilung bildet die bunte Bekrönungskachel in der obersten Reihe mit dem Stadtwappen von Vöcklabruck, zwei Schriftbändern und an den Seiten Schutzengel und Bergknappe, ein besonders hervorragendes Stück. Anschließend auf einem Sockel großer Salzburger Weinkrug mit aufgelegten Medaillons, Löwenköpfen und sonstigen Verzierungen, um 1600. Ein zweites, ähnliches Stück auf dem folgenden Sockel, darüber ein Schneideraushängeschild, doppelseitig mit Kostümfiguren und der Datierung 1605. Nach dem ersten der Salzburger Weinkrüge prächtige bunte Ofenkacheln mit allegorischen Figuren aus der Werkstätte des Salzburger Hafners H R um 1570, eine große figurenreiche Kachel mit der Kreuzigung und Teile eines Ofens mit Band- und Rankenmuster. Es folgt sodann eine Abteilung mit modernen Ausformungen aus alten, im Besitze des Museums befindlichen Originalmodeln des XVI. und XVII. Jahrhunderts. Daran schließen sich bunte Ofenkacheln mit den vier Jahreszeiten und schwarz glasierte Reliefkacheln, süddeutsche Arbeiten des XVII. Jahrhunderts, darunter eine ehemals kalt bemalte Kachel mit dem Wappen des Bischofs Julius von Würzburg. An die folgenden zwei Kachelreihen, siebenbürgische Arbeiten des XVIII. Jahrhunderts, schließt sich eine Gruppe bunt oder einfarbig bemalter Kacheln, die hauptsächlich Schweizer- und deutsche Arbeiten des XVII. und XVIII. Jahrhunderts sind. An der Ecke befindet sich ein Riesenkrug oberösterreichischer Herkunft mit der Inschrift Christoph Gschir 1741.

Über Eck gestellt finden wir eine kleine Sammlung von Delfter und hessischen Wandfliesen und zu unterst mittelalterliche Fußbodenfliesen mit Gravierungen aus der Kirche zu Heiligenkreuz.

Von hier in den Hauptraum zurückkehrend, haben wir in dem am Pfeiler stehenden Schrank zahlreiche Holitscher Fayencen. Die im XVIII. Jahrhundert gegründete Fabrik ging nach 1740 in kaiserlichen Besitz über, erlangte bald einen bedeutenden Ruf und wurde erst um die Mitte des XIX. Jahrhunderts aufgelassen. Es wurden daselbst zuerst Erzeugnisse in der Art von Castelli, dann solche nach chinesischen Vorbildern, darunter viele Figuren angefertigt. Einfacheres Geschirr war mit Blaumalerei sowie mit manganbrauner und grüner Malerei ornamentalen Charakters versehen. Weitere Gattungen waren die meist mit Obst, seltener mit Blumen bunt bemalten Service, die Stücke mit Rot-, Gold- und Buntmalerei, ähnlich wie die beiden hier ausgestellten Krüge, mit Susanna im Bade und der satirischen Darstellung eines handeltreibenden Bettelmönches. Häufig waren auch Gefäße mit plastischen bunten Blumen, solche in Form von Tieren, wie Papageien, Hühnern, Gänsen usw., reichgebildete Tafelaufsätze und von 1786 an, als die Fabrik auch Steingut erzeugte, die Imitationen von Wiener Porzellan und ein mittels Druckverfahrens erzeugter Dekor. Fast alle diese Gattungen sind in den oberen drei Reihen des Schrankes vertreten.

In der untersten Reihe Salzburger und Gmundener Fayencen des XVIII. und beginnenden XIX. Jahrhunderts. Im folgenden Schrank an der Fensterseite ist die deutsche Fayence in Blaumalerei, wie sie namentlich in Braunschweig, Hanau, Nürnberg, Ansbach, Bayreuth, Künersberg, Straßburg, Hamburg usw. nach holländischer Art schon im XVII., besonders aber im XVIII. Jahrhundert erzeugt wurde, ausgestellt. Sie hatte die Aufgabe, der holländischen über Frankfurt auch nach dem deutschen Süden eindringenden Ware durch möglichst gleichwertige heimische Erzeugnisse entgegenzuwirken.

Die Ähnlichkeit mit Delft erreichte namentlich Hanau in einem hohen Grade. In unserer Sammlung ist besonders Bayreuth, 1720 gegründet und von 1735 bis 1763 in vollster Blüte, gut vertreten. Die Bayreuther Arbeiten zeichnen sich gewöhnlich durch lichtes, durch weiße Pünktchen getrübtes Blau aus. Besonders hervorzuhebende Stücke sind: in der obersten Reihe zwei Vasen mit Rokokoornamenten aus Braunschweig, in der zweiten Reihe die Nürnberger Deckelkrüge, der erste mit Stadtansichten, der folgende mit der Darstellung einer Wochenstube und ein dritter mit der einer Straßenpflasterung sowie die Ansbacher Sternschüssel. In der folgenden Reihe die achteckige Künersberger Servierplatte, die drei Straßburger Fayencen von K. Hannong im „Style rayonnant“ von Rouen und die figurenreiche sechseckige fränkische Schraubenflasche mit Hirschjagd und Mahlzeit im Freien; in der untersten Reihe die ovale Platte auf vier Füßen von Knöller in Bayreuth. Außen am Schrank ist eine Schweizer Fayenceplatte mit reicher Renaissancearchitektur, den Hof des Königspalastes zu Jerusalem mit David und Bathseba darstellend und mit der frühen Datierung „1533“ angebracht.

In derselben Abteilung befinden sich zwei Schränke mit Delfter Fayencen des XVII. und XVIII. Jahrhunderts. Die Fayenceindustrie der Stadt Delft beginnt in den letzten Dezennien des XVI. Jahrhunderts und gewinnt um die Mitte des XVII. Jahrhunderts, unterstützt durch eine ununterbrochene Einfuhr als Muster dienender ostasiatischer Porzellane, sowie durch einen tüchtig organisierten Handel einen Weltmarkt, dessen Bedeutung erst durch die allmähliche Entwicklung des europäischen Porzellans im Laufe des XVIII. Jahrhunderts nach und nach schwindet. Von den verschiedenen Dekorationstypen, die während dieser Periode üblich waren, sind eine ziemliche Anzahl in der Sammlung vertreten. Wir finden chinesische Genreszenen, Stücke mit Inschriften, Übertragungen des „style rayonnant“ von Rouen, ferner Schüsseln mit Wappen, Tieren, Landschaften, Seebildern, Emblemen, Heiligen- und biblischen Figuren und ein Beispiel von Porträtmalerei. Was jedoch vorherrscht, das sind die ostasiatischen Motive. Die Objekte in Blaumalerei zeichnen sich durch besonderen Glanz der Zinnglasur aus, den sie durch Bestäuben mit fein zerriebenem Bleiglaspulver erlangt haben, der im Brande schmelzend die bemalte Oberfläche überzieht. Die vielfarbige Malerei entwickelte sich erst gegen Ende des XVII. Jahrhunderts und beruht hauptsächlich auf dem Dreiklang von Rot, Blau Grün. (Das Rot aus mehrfach gebranntem feinsten Bolus.) Eine andere Gattung, bei der gewöhnlich auch Gold zur Verwendung kam, imitiert die Farbenwirkung der japanischen Hizen-Ware und umfaßt Prachtstücke ersten Ranges, die an Schönheit die japanischen Vorbilder weit übertreffen. Dieser blau-rot-goldene Dekor (das Rot ein auf die fertiggebrannte Glasur aufgemaltes Eisenrot) ist durch vier Teller, wovon einer das Brustbild Karls VI. zeigt, und durch einen Krug mit vergoldetem Deckel charakterisiert. Die in der Sammlung vertretenen Meister sind in der Reihe, wie sie in den beiden Schränken aufeinander folgen: Adrian Pynaker, Lambert van Eenhorn, Huibrecht Brouwer, Cornelis van der Hoeve, Cornelis de Keizer, Jan Pieters, Geertruy Verstelle, Joost Brouwer und im Schranke nächst dem Fenster C. J. Messchert und A. C. van Noorden, Aebreyt de Keiser, J. G. van der Hoeven, Augestijn Reygens, J. G. L. Kruyk und J. Verburg.

Ludwigsburger Porzellangruppe „Toilette der Venus“, modelliert von Josef Weinmüller 1765 bis 1767

⇒
GRÖSSERES BILD

OSTASIATISCHE KERAMIK.

Die Chinesen sind zur Zeit der Tang-Dynastie (618-907) die ersten Erfinder des Porzellans gewesen. Bis zum XIV. Jahrhundert waren Bronzeformen für das gewöhnlich noch einfarbig glasierte Porzellan vorbildlich. Erst unter der Ming-Dynastie (1368-1643) beginnt nicht nur eine selbständige Entwicklung der Formen, sondern auch eine eigentliche Porzellanmalerei. Drei Arten werden dabei unterschieden: Die Unterglasurmalerei in Kobaltblau, die feuerbeständigste aller keramischen Farben, und daneben ein Kupferrot, das bald allein, bald in Kombination mit Kobaltblau erscheint. Ferner eine Schmelzmalerei auf Biskuit, endlich die Überglasurmalerei in bunten Schmelzfarben. Zu neuer Blüte gelangte das chinesische Porzellan wieder unter Kaiser Kang-shi (1662-1723), in welcher Zeit auch der Ausfuhrhandel nach Europa einen hohen Aufschwung nimmt. Porzellane mit gesprenkeltem blauen Grund (bleu fouetté) und solche mit ausgesparten weißen Mumeblüten auf blauem Grunde wurden in vorzüglicher Qualität hergestellt. Unter Kien-lung endlich (1736-1796) bevorzugte man namentlich die Überglasurmalerei in opaken Farben, die Porzellane der „famille rose“, die bereits unter dem vorangegangenen Kaiser Yung-chêng (1723-1735) erzeugt worden waren, und die, in denen ein Smaragdgrün vorherrscht (famille verte). Ferner kam in dieser Zeit das sogenannte Eierschalenporzellan auf und das durchbrochene und mit Glasur wieder geschlossene, das die Franzosen „grain de riz“ nennen.

Die Aufstellung der ostasiatischen Porzellane konnte nicht in chronologischer Reihenfolge durchgeführt werden, dagegen wurden die verschiedenen Gattungen zu größeren Gruppen vereinigt. Links vom Eingang sind die chinesischen, rechts die japanischen Porzellane untergebracht. Im ersten Schranke finden wir chinesische Exportware, zumeist Schüsseln und Teller, in der oberen Reihe vier Schüsseln der famille verte, eine davon mit dem Wappen von Friesland, dazwischen Kannen mit Blaumalerei, darunter eine mit vergoldeter Bronzemontierung aus dem Anfange des XVII. Jahrhunderts, eine sogenannte Wasserblase der grünen Familie und drei Waschbecken in Muschelform mit den dazu gehörigen Kannen. Die übrigen Schüsseln und Teller sind nach europäischen Vorlagen, meist Kupferstichen, in Schwarzlot, zum Teil mit etwas Gold dekoriert, manche von ihnen auch in bunten Emailfarben. Wappen, Monogramme, Genreszenen, Landschaften und biblische Darstellungen bilden die Motive, die durch ihre Umdeutung ins Chinesische einen ganz eigenartigen Charakter gewonnen haben. Diese Arbeiten entstammen durchwegs der Regierungszeit des Kaisers Kang-shi (1662-1723) und wurden hauptsächlich in Kanton ausgeführt. Im zunächst stehenden großen Schrank erblicken wir in zwei Reihen Seladonporzellane älterer und neuerer Provenienz, glatt, mit Reliefs oder mit eingravierten Ornamenten versehen. Diese mit Eisenoxyd trüb grünlich gefärbten Porzellane wurden bereits im Mittelalter erzeugt, fanden auch außerhalb Chinas schon in früher Zeit große Verbreitung und sind wahrscheinlich aus dem Bestreben hervorgegangen, den wegen seiner Härte hochgeschätzten Nephrit oder Jadeit nachzuahmen. Den Namen Seladonporzellan erhielt es nach dem grün gekleideten Helden eines Romanes des XVII. Jahrhunderts, „L’Astrée“ von Honoré d’Urfé. Der Hauptfabrikationsort ist Lungchüam (Provinz Chê-hiang).

In der obersten Reihe und an der linken Schmalseite des Schrankes befinden sich prächtige lasurblaue Porzellane, mit zum Teil bereits verwischtem leichtem Golddekor, Vasen und große Schalen aus der Periode Kien-lung, die großen Vasen in prächtiger, französischer Bronzefassung aus der Zeit um 1770. Eine an der Ecke stehende, im Hauptkörper zylindrische Vase mit langer Goldinschrift, ein schönes Beispiel des sogenannten bleu fouetté. An der entgegengesetzten Ecke zwei Vasen mit braunem Schuppenmuster im Fond und eine Wasserpfeife der Ming-Dynastie. Die folgende Breitseite des Schrankes nimmt in den unteren zwei Reihen die für Persien erzeugte chinesische Exportware ein, die durch einige für Siam angefertigte Stücke ergänzt wird. Bei diesen Porzellanen kommt, im Gegensatze zu den für China selbst erzeugten, das architektonische Dekorationsprinzip, das auf regelmäßiger Einteilung in verschiedene Dekorationsfelder beruht, mehr zur Geltung.

Im gegenüberstehenden Schranke sind verschiedene Dekorationsweisen in bunten Emailfarben vom Beginn des XVIII. Jahrhunderts bis in die Gegenwart zur Anschauung gebracht, besonders beachtenswert die fünf großen in Bronze gefaßten Vasen mit bemalten Reliefblumen und die Porzellane der rosa und der grünen Familie.

Im nächststehenden Schranke finden wir das chinesische und japanische Weißporzellan vereinigt, das elfenbeinfarben abgetönte sogenannte „blanc de Chine“ das mit Relief geschmückt, mit eingravierten Linien oder eingepreßten Ornamenten verzierte und das mit kalten Farben (Gold, Rot, Grün) bemalte Weißporzellan. Ferner sind hier mit Kupferoxydglasuren gefärbte meist chinesische Porzellane, rotes, sogenanntes „sang de bœuf“ und mannigfach geflecktes oder rot, violett, blau und grün geflammtes Porzellan („flambés“) zu einer Gruppe vereinigt. Darunter ein seltenes Beispiel des sehr geschätzten „peach bloom“, eine gesprenkelte Glasur, der Haut des Pfirsichs gleichend (das kugelförmige Töpfchen in der Mitte), und eine krakelierte hellblaue Vase mit untersatzartigem durchbrochenem Fußansatz aus der Zeit der Ming-Dynastie, 1368 bis 1643 (Mittelreihe links).

Der gegenüber befindliche Schrank enthält japanische Erzeugnisse, und zwar ältere Imari-Ware, so genannt nach dem Ausfuhrhafen für Porzellane aus Arita. Besonders hervorragende Stücke davon sind die drei Vasen mit buntem Blumendekor zwischen hellblauen Ornamentfeldern und manche von jenen in Emailfarben mit zarten Mustern dekorierten Stücken, die in Meißen und in Wien in den ersten Jahren ihrer Porzellanfabrikation als Vorbilder gedient haben (vergl. die älteren Stücke im Schranke mit dem Meißener Porzellan). Auf der gegenüberliegenden Breitseite des Schrankes befinden sich die braunrot dekorierten Porzellane aus Kutani in der Provinz Kaga, wo um 1660 eine Porzellanmanufaktur entstand. Man wählte hier, um die nicht ganz reine Masse zu verhüllen, einen den Grund möglichst deckenden Dekor. Ein dunkles Eisenrot bildet die Hauptfarbe, zu dem noch etwas Grün, Gelb und Schwarz hinzukommt.

An der gegen das Fenster zu gekehrten Schmalseite dieses Schrankes ist die elfenbeinfarbene mit goldenen und farbigen Malereien verzierte Satsuma-Ware zusammengestellt, Arbeiten, die durchwegs Exportartikel aus dem vorigen Jahrhundert sind, die an eine ältere, bessere Ware aus dem XVIII. Jahrhundert anknüpfen.

In dem gegenüber befindlichen Eckschranke sowie in den vier Ecken des Raumes sind die in Unterglasurblau bemalten japanischen Porzellane, namentlich große Schüsseln und Vasen, und die in Unterglasurblau, Eisenrot und Gold dekorierten Prunkstücke ähnlicher Art aufgestellt, die vom XVII. Jahrhundert an die vornehmste Exportware der Provinz Hizen bildeten.

In dem kleineren vor dem Fenster befindlichen Schranke finden wir japanisches und koreanisches Steinzeug verschiedener Art, vorwiegend mit ein- oder mehrfarbigen Glasuren ohne Malereien verziert, namentlich kleinere und größere Schalen und Töpfchen mit Überlaufglasuren u. dgl.

EUROPÄISCHES PORZELLAN.

Das europäische Hartporzellan besteht im wesentlichen aus feuerfester, weißer Kaolinerde und Feldspat, die gemischt und bei sehr hohen Hitzegraden gebrannt werden. Die Malerei erfolgt entweder vor Auftrag der Glasur (Unterglasur oder Scharffeuerfarben) oder auf das glasierte, fertig gebrannte Porzellan mittels Emailfarben, die in einem dritten, schwächeren Brande aufgeschmolzen werden. Frankreich und England erzeugten dagegen ein kaolinfreies Weichporzellan, das im Gegensatze zum Hartporzellan geringerer Hitzegrade zu seiner Herstellung bedurfte, daher bei der Bemalung über eine größere Anzahl von Farben ermöglichte und auch sonst in künstlerischer Hinsicht manche Vorzüge vor dem Hartporzellan besaß, dafür aber in technischer Beziehung minderwertig war. Im folgenden Raume hat das deutsche Porzellan mit Ausnahme von Wien Aufstellung gefunden.

MEISSEN UND ANDERE DEUTSCHE FABRIKEN.

Der eigentlichen Porzellanfabrikation, wie sie Böttger auf Grund seiner 1709 gemachten Entdeckung des Kaolins in Meißen einführte, war die Erzeugung einer Art roten Steinzeugs vorangegangen, das fälschlich unter dem Namen Böttgersches Versuchsporzellan bekannt ist und von dem ein Inventar vom Jahre 1711 2000 verschiedene Stücke aufzählt. Derartiges Steinzeug im Vereine mit verwandten Erzeugnissen befindet sich in der kleinen Vitrine links. Es sind mit Gold oder Silber, auch mit Gold und Silber dekorierte Gefäße, dann dunkelbraune polierte und geschliffene Stücke und solche, die, ähnlich wie das böhmische Kristallglas, mit Schliff und Schnitt verziert sind (zinngefaßter Walzenkrug und andere). Ferner Nachahmungen des Böttger-Steinzeugs aus Bayreuth und solche böhmischer Herkunft, endlich zwei Bunzlauer Krüge mit bunten Reliefauflagen.

Porzellane der Meißener Manufaktur aus der ersten Zeit sind in dem daneben befindlichen Schrank ausgestellt. Unter Böttger wurden Weißporzellane in Barockformen, nicht selten mit Reliefauflagen, erzeugt oder chinesische Formen nachgeahmt, von dieser Art ist die Deckelvase mit Weinlaubauflagen, daneben befindet sich ein Schälchen mit Goldauflagen, wie sie der Emailleur und Vergolder Christoph Konrad Hunger ausgeführt hat, und frühes Böttger-Porzellan mit Golddekor. Hervorzuheben die Büste des Kaisers Matthias von Johann Joachim Kändler aus der Serie deutscher Kaiserbüsten und ein Kruzifix von demselben Meister (abgesondert in der kleinen Eckvitrine), ferner die mit chinesischen Figuren buntbemalten Gefäße, die Metallformen nachgebildeten Frühstückskännchen, die nach Imari-Mustern bemalten Tassen, Becher und Teller, ein Dekor aus Herolds erster Periode (1720-1730), die Beispiele von Schneeballen- und von Fondporzellanen und der Teller mit in die Glasur geritztem und geschwärztem Dekor, signiert Busch 1763. Im folgenden Schranke, neben der großen freistehenden Berliner Vase mit dem Bildnis Friedrich Wilhelms III., Frühstücksservice, Schalen, Becher und sonstige Porzellane aus der Blütezeit Heroldscher Dekorationsweise, Uferszenen, Chinesen, Rokokofiguren, Reiterkämpfe etc. in reichster ornamentaler Umrahmung und mit Goldspitzendekor. In der unteren Abteilung der Vitrine Proben der Blumenmalerei in Meißen nach 1740 bis in die Periode Marcolini (nach 1774) im freistehenden Schautisch in der Mitte eine Schüssel mit dem Sulkowski-Steinschen Heiratswappen dazugehörige Bestecke, eine Schüssel aus dem Brühlschen Schwanenservice und andere Porzellane der Meißener Frühzeit.

Frankenthaler Porzellan, Wanduhr (Cartel), nach 1755

⇒
GRÖSSERES BILD

In dem vor das Fenster postierten Schranke befindet sich Berliner Porzellan von etwa 1765 bis 1840, darunter eine antikisierende Lampe mit Öl nachgießendem Genius in Biskuit nach einem Entwurfe von Percier und Fontaine, Teller und Teekanne mit Florentiner Mosaikimitation und zwei Rokokodéjeuners, ferner ein Kaffeeservice mit Landschaften der Fabrik Wallendorf (Thüringen) und zwei Nymphenburger Teller, gemalt von Anton Auer.

Im folgenden Schranke Porzellane aus Frankenthal, Ludwigsburg und Nymphenburg. Besonders hervorzuheben sind hier aus der Frankenthaler Fabrik eine Potpourrivase mit plastischen Drachen an den Henkeln, eine [Wanduhr] mit Rocaillen und ein Frühstückservice mit mythologischen Darstellungen, gemalt von Osterspei; aus Nymphenburg ein Rechaud mit Rokokoornamenten und französischen Gartenmotiven und aus Ludwigsburg ein Tintenzeug mit Rocaillen und Amoretten (oberste Reihe), entworfen von J. G. Trothe, dem ersten Direktor der Fabrik (1759-1762).

Anschließend unter Glassturz eine Kopenhagener Deckelvase mit dem Bildnis König Christians VII. von Dänemark.

Im anstoßenden Schranke folgt die figurale Plastik der hervorragendsten deutschen Fabriken, worunter besonders aus Ludwigsburg: vorzügliche Gruppen und Figuren von Pustelli, [Weinmüller] und J. Ch. W. Beyer (oberste Reihe); aus „Nymphenburg: „Il Capitano“ und „Colombine“ aus der italienischen Komödie; aus Höchst: Schäfergruppe und Venus mit Amor; aus Frankenthal: Bauernmädchen von Jos. Adam Hannong. Außerdem finden wir hier Gruppen und Figuren aus Meißen, Berlin, Ansbach, Limbach, Zürich und Marienberg.

Als Einzelstück steht zwischen dieser und der folgenden Vitrine eine Meißener Vase mit Chinesereien in Unterglasurblau und matter brauner und schmutziggrüner Farbe, ein seltener Dekor aus der Zeit vor 1720.

Die darauf folgende Vitrine enthält hauptsächlich deutsche und Schweizer Porzellane, darunter unbemalte figurale Plastik aus Berlin, einen Rudolstädter Schokoladetopf mit feiner Purpurmalerei, eine größere Vase mit Purpurdekor aus Fürstenberg, eine prächtige Teekanne mit Wüstenszenen der Züricher Fabrik, ferner einzelne Stücke aus Ansbach, Fulda, Kloster Veilsdorf, Höchst, Gotha, Volkstädt, Kopenhagen und Petersburg.

WIEN.

Die Wiener Porzellanmanufaktur wurde 1718 von einem Privaten, Claud. Innoc. Du Paquier gegründet, ging 1744 in Staatsbesitz über und wurde 1864 aufgelöst.[28] Die Erzeugnisse dieser Fabrik nehmen den ganzen folgenden Raum samt der daranstoßenden Galerie in Anspruch und sind in streng historischer Folge angeordnet. Die ersten drei Vitrinen enthalten Erzeugnisse der Periode Du Paquier. Wir finden zunächst Porzellane mit chinesischem oder japanischem Dekor, so die zwei Teller mit dem Wappen der Avalo, deren Randbemalung viele Ähnlichkeit mit der an den Wandleuchtern des später zu erwähnenden Zimmers aus dem Palais Dubsky hat. Ferner Porzellane mit bemalten Reliefauflagen in ostasiatischem Charakter, Krüge, Schalen und Kaffeetäßchen mit Imari-Mustern, zwei Ollio-Töpfe mit eckigen Henkeln, die auch ihrer Form nach auf chinesische Vorbilder zurückgehen, welche ihrerseits wieder Bronzegefäßen nachgebildet sind, was auch von der in der Mitte aufgestellten Butterschale in Form einer Schildkröte gilt. Weiters sind hier die den Hizen-Porzellanen in drei Farben (Unterglasurblau, Eisenrot und Gold mit gelegentlicher Anwendung von etwas Grün) nachgebildeten Erzeugnisse ausgestellt, die etwa von 1730 bis 1750 in der Fabrik üblich waren, und die im mittleren der drei Schautische auch nach der Richtung der Blaumalerei ihre Ergänzung finden. Schließlich sehen wir einige Porzellane, bei denen sich Barockformen geltend machen, wie die beiden Krüge mit Tigerhenkeln, die durchbrochenen Schälchen und die Kanne mit deutschen, das heißt in chinesischer Art behandelten europäischen Blumen.

Der folgende Schrank zeigt die Porzellane mit buntem Barockdekor, welche das prächtigste Genre der Du Paquier-Zeit repräsentieren. Hierbei spielen die Beziehungen zum ostasiatischen Genre noch vielfach in die Komposition hinein, ebenso wie der Dekor mit deutschen Blumen. Für die letztere Art sind die große ausgezackte Schüssel und der Walzenkrug mit dem Wappen besonders charakteristisch. Gleichzeitig können wir das Aufkommen einer figuralen Malerei in europäischem Sinne verfolgen, wie bei dem großen Deckeltopf mit dem Fruchtgehänge tragenden Putten, der diesem verwandten Teekanne mit jagendem Putto, in dem Trinkkrug mit Amoretten und Nereiden, der Déjeuner-Platte mit Schäferszene, der Schokoladetasse mit bunten Rokokofiguren usw.

Zu beiden Seiten dieses Schrankes sind zwei prächtige signierte Arbeiten des vortrefflichen Hausmalers für Meißener und Wiener Porzellan, Bottengruber, einzeln ausgestellt. Eine Schokoladetasse und eine Spülkumme, beide mit reichem Figurenschmuck.

Den dritten Schrank beherrscht das in der zweiten Hälfte der Du Paquier-Periode beliebt gewordene Genre des Barockdekors in Schwarzlotmalerei. Besonders beachtenswert die Terrine und die beiden Tokayerflaschen mit Türkenbüsten als Stöpseln und die große Schüssel darüber. Weitere Stücke in Schwarzlotdekor sind Hausmalereien, so das Tee- und Schokoladeservice von Karl Wendelin Anreiter von Zirnfeld mit Landschaften, ein anderes mit Uferszenen und Jagddarstellungen usw. In der Mitte eine prächtige Schokolade-Einsatztasse, beachtenswert durch die in dieser Zeit bei besonders feinen Stücken beliebte, eigenartige Dekorierung der Unterseite.

Im folgenden Schranke das Porzellan aus den ersten Jahren des Staatsbetriebes. Durchwegs ausgesprochene Rokokoformen, Teile von Speiseservicen mit Flechtmusterrand in Relief, bunten Blumensträußen und Streublümchen, überdies allerlei Porzellane mit Rocailledekor.

Die folgende Vitrine zeigt die Weiterentwicklung des Rokokogenres in den nächsten zwei Dezennien. Die Rocailleplastik tritt in den Hintergrund oder verschwindet ganz, die Formen bieten der Bemalung größere Flächen dar, die Weißdreherarbeit ist exakter, die Masse feiner. Die Malerei wendet sich mit Vorliebe kleinen, figuralen Darstellungen zu, die zunächst von Rokokokartuschen eingerahmt werden, später jedoch in freier Endigung in den weißen Porzellangrund überführen. Besonders fein durchgeführte Stücke sind die zwei Frühstückservice mit Rokokofiguren, ferner das mit den Reitergefechten und die Schokoladetasse mit dem Bildnisse Franz I. von Lothringen in Graumalerei nach einem Stiche von J. Schmutzer. In dem folgenden Schranke, der die Periode von 1770 bis 1780 umfaßt, zeigt sich mehrfach französischer Einfluß. So in den Porzellanen der obersten Reihe und in einzelnen Tassen der folgenden Reihen, in dem Flaschenkühler mit Biskuitreliefs und dem Déjeuner mit plastischen Blumen. Als Versuch einer Imitation von Wedgwoods Jasper-Ware präsentiert sich das in der Mitte aufgestellte Déjeuner mit weißen Relieffiguren auf blauem Grunde.

Ganz im Geschmacke der Louis XVI-Zeit ist die daneben befindliche, als Einzelstück aufgestellte Potpourrivase. Dasselbe urnenartige Modell, im Wiener Genre dekoriert, befindet sich als Gegenstück am andern Ende dieser Schrankreihe, während die alleinstehende große Vase in der Mitte zwischen beiden Schränken den Einfluß französischen Geschmackes um 1850 aufweist.

Die folgende Vitrine enthält Teile eines Tafelservices mit zierlichem, antikisierendem Reliefgolddekor und kobaltblauen Rändern. Die Stücke gehören der Zeit um 1780 an. Anstoßend sind die Porzellane der Sorgenthal-Periode (1784-1805) ausgestellt. Ein prächtiges Déjeuner in Kupferlüster mit Reliefgolddekor und einer Malerei in Purpur-Camajeu von Lamprecht, Cupido und Ganymed nach Angelika Kauffman, Dessertteller mit verschiedenartigen Malereien im Fond, reich dekorierte Kaffeetassen, sämtlich mit Reliefgold, endlich ein Frühstückservice mit Grisaillemalereien von Josef Neumann, umgeben von Golddekor in zwei Tönen auf dunkelblauem Grunde.

Im nächsten Schranke finden wir die Porzellane im Empiregeschmack, zum Teil im Genre der antiken Vasenmalerei dekoriert oder als Imitationen antiker Bronzen durchgeführt, ein Déjeuner mit neapolitanischen Landschaften usw., Arbeiten aus der Zeit zwischen 1790 und 1820. Die weitere Entwicklung in der ersten Hälfte des XIX. Jahrhunderts wird in der folgenden Vitrine vorgeführt.

Die freistehenden Tischvitrinen enthalten zahlreiche Arten von Kaffeetassen aus der Zeit von 1784 bis 1840 und Teller von 1760 bis 1840, ferner Porträtmedaillons in der Art von Wedgwoods Jasper-Ware und kleine Tafelmalereien, darunter das mit großer Feinheit ausgeführte und von Claudius Herr signierte Porträt des Grafen Mittrovsky.

Alt-Wiener Porzellanzimmer

⇒
GRÖSSERES BILD

Andere Tafelmalereien aus der Zeit von 1818 bis 1864 befinden sich an den Pfeilern sowie an der Innenwand der Galerie, wo sie im Verein mit der Porträtplastik in Biskuit, worin bereits Grassi, besonders aber Johann Schaller und Elias Hütter Vorzügliches geleistet haben und mit den großen Vasen, die Josef Nigg mit seinen sehr geschätzten Blumenmalereien geschmückt hat, von dem Kunstniveau in den letzten Dezennien der Fabrik Zeugnis geben. In den beiden Pultvitrinen an der Galeriewand sind die letzten Arbeiten vor der Auflösung der Fabrik ausgestellt, darunter auch Teile des 1821 bis 1824 für König Georg IV. von England ausgeführten Tafelservices.

Die Wiener figurale Kleinplastik ist in den beiden an der Innenseite der Pfeiler befindlichen Schränken und in der kleinen Mittelvitrine ausgestellt. Wir finden Varianten von Meißener Motiven, wie zum Beispiel die sitzende weibliche Figur mit dem Salzfaß, den Mann mit dem Krug und andere. Wiener Typen und Wiener Straßenfiguren, wie die Kellnerin, die Maroniverkäuferin etc., diverse Gruppen, darunter Erzherzog Leopold II. mit seiner Familie, dann in der Mittelvitrine Callot-Figuren, eine Porträtbüste Franz I. von Lothringen, zwei Gruppen des ersten Modellmeisters Johann Niedermayer, Taten des Herkules, ein junges Mädchen mit Pfau (Die Eitelkeit), die polnische Familie und anderes. Im zweiten Pfeilerschrank finden wir Biskuitfiguren im klassizistischen Geschmacke nach Modellen von Anton Grassi und andern, meist Teile von Tafelaufsätzen.

Im folgenden Kompartiment werden uns die französischen, italienischen und englischen Porzellane vorgeführt. Der erste Schrank enthält französisches Hartporzellan vom Anfange bis gegen die Mitte des XIX. Jahrhunderts, reich dekorierte Kannen, Teller und Kaffeetassen aus Sèvres und aus verschiedenen Pariser Manufakturen, die zu Ende des XVIII. Jahrhunderts entstanden waren, hauptsächlich aus der des Duc d’Angoulême von Guerhard & Dihl.

Die nächste Vitrine enthält Beispiele von Weichporzellan von Sèvres. Ein besonders prächtiges Stück, eine türkisblaue Deckelterrine mit bunten Früchten und Blumen in weißen Reserven, ferner Teller und Tassen verschiedener Art sowie ein Beispiel von sogenanntem Juwelenporzellan. Ferner sind hier einzelne Stücke aus Chantilly, ein Kännchen der Manufacture de porcelaines dites à la Reine, drei hervorragend prächtige Tassen der Fabrik von Guerhard & Dihl, einige Porzellane aus Saint Cloud und je ein Stück aus Vincennes und Nyon (Kanton Waadt) ausgestellt.

Im nächsten Schranke finden wir Teile eines großen Tafelservices in Hartporzellan, das nach 1840 in Sèvres ausgeführt wurde. Die einzelnen Stücke sind mit Darstellungen aus industriellen und landwirtschaftlichen Betrieben der verschiedensten Art in Frankreich und seinen Kolonien bemalt und mit der höchsten technischen Vollendung und künstlerischen Delikatesse durchgeführt. Das Service bildete ein Geschenk des Königs Louis Philippe von Frankreich an den Staatskanzler Fürsten Klemens Metternich anläßlich der am 10. Oktober 1846 stattgefundenen Hochzeit seines Sohnes Antoine Philippe Louis von Orléans Herzogs von Montpensier mit der Infantin Marie Louise von Spanien. Weitere Stücke dieses Services sind in der freistehenden Tischvitrine ausgestellt. Auch der folgende Schrank enthält Teile von Tafelservicen aus Hartporzellan aus Sèvres sowie ein Déjeuner und andere späte Sèvres-Porzellane. Frei aufgestellt zu Seiten der letztgenannten vier Schränke vier Vasen der Fabrik Neapel aus der Zeit um 1800.

Die folgende Vitrine enthält italienisches und spanisches Porzellan. Es sind die Fabriken von Venedig, Capo di Monte, Neapel und Buen-Retiro in einzelnen Stücken, sowohl in Gefäßen wie figuralen Arbeiten repräsentiert. Besonders hervorzuheben eine Deckelterrine mit Untersatz aus Nove mit Darstellungen aus dem Leben eines italienischen Offiziers aus der Zeit Napoleons I.

Die entsprechende Vitrine der andern Seite enthält Wedgwood-Arbeiten und englisches Porzellan, unter den erstern ist hauptsächlich die blau-weiße Jasper-Ware vertreten, und überdies finden wir einzelne Beispiele in der sogenannten „Parianmasse“ (Klytia), in „Rosso antico“, „Bamboo-ware“, und „Egyptian black“. Besonders hervorzuheben ist ein seltenes Stück Jasper-ware, eine lila Deckelvase mit weißen Reliefauflagen aus der Zeit um 1785. Im unteren Fache sind einzelne Stücke von Wedgwoods „Queen-ware“, ferner Fabrikate, namentlich Teller von Derby, Chelsea-Derby und Worcester ausgestellt.

Man gelangt nun in den der modernen Keramik gewidmeten Raum und hat zunächst in der einen großen Vitrine links Erzeugnisse deutscher, englischer, holländischer und skandinavischer Fabriken aus den letzten zwei Dezennien vor sich. Es sind hier die Arbeiten von Heider in München, Läuger in Karlsruhe, Mutz in Altona, Schmidt-Pecht in Konstanz, ferner solche aus Gustavsberg in Schweden, Haag, Delft und Utrecht in Holland, Kähler in Dänemark sowie von De Morgan und Rathbone in England.

Der nächste Schrank enthält französische Keramiken aus der Zeit um 1900, Schüsseln und Vasen von Lachenal, Dalpeyrat, Clément Massier, Utzschneider und solche aus Bourg la Reine, Glattigny und Choisy le Roi. Es folgt ein Schrank, in dem hauptsächlich das Porzellan der königlichen Manufaktur in Kopenhagen sowie das von Bing & Gröndahl daselbst und der Fabrik Roerstrand in Stockholm vertreten ist. Der große Mittelschrank enthält Sèvres-Porzellan von der Weltausstellung 1900, ferner Rozenburger Geschirre dieser Zeit und Fabrikate von Damouse in Paris und Rookwood in Cincinnati. In den drei vor dem Fenster befindlichen Schränken finden wir einige Porzellane österreichischer, französischer und englischer Herkunft aus der Zeit von 1870 bis 1890, sodann Keramiken von Zsolnay in Fünfkirchen und aus verschiedenen österreichischen Fachschulen, ferner einiges aus der Wiener k. k. Kunstgewerbeschule und im kleinen Schranke in der Mitte moderne figurale Plastiken, Wiener Arbeiten von Kirsch, Löffler und Powolny und andern, überdies eine Porzellangruppe von Waekerle in Nymphenburg.

Eine der bedeutendsten Erwerbungen des Museums ist das 1912 im Anschluß an diesen Raum zur Aufstellung gelangte [Alt-Wiener Porzellanzimmer] aus dem Palais Dubsky in Brünn (vgl. [Seite 117]). Es gehört zu den frühesten und umfangreichsten Erzeugnissen der 1719 gegründeten Fabrik und wurde auf Bestellung des Grafen Czobor de Szent Mihaly, der 1728 starb, und dessen Wappen sich ober dem Spiegel am Fensterpfeiler befindet, angefertigt, wahrscheinlich aber erst unter seinem Sohne Josef vollendet. Es erfuhr noch unter Josef Czobor von dem unbekannten Ort seiner ursprünglichen Aufstellung eine Übertragung nach Brünn, die kleine Veränderungen zur Folge hatte, und ging 1762 in den Besitz der Familie Piatti von Tirnowitz über, was abermals unbedeutende Änderungen, wie das Anbringen der im Louis XVI-Stile ausgeführten Uhr und die Einfügung neuer Porträte in die bereits vorhandenen Rahmen zur Folge hatte. In seiner Gesamtheit erweckt das Zimmer in seinem reichen Schmucke von rund 1400 Porzellanplättchen und 121 verschiedenen Porzellangegenständen, seiner prächtigen alten Wandbespannung, den üppigen, geschnitzten und vergoldeten Ornamentauflagen und den reich geschnitzten, ebenfalls vergoldeten und mit Porzellanplättchen verzierten Möbeln den Eindruck seltener Einheitlichkeit und auserlesener Pracht. Eine auch in technischer Hinsicht höchst beachtenswerte Leistung ist der große Kamin mit sogenannten „deutschen Blumen“, einzig in ihrer Art sind die zierlichen Luster und Wandleuchter mit ihrem figuralen Schmuck von Vögeln und Chinesen. Letztere sind ebenso wie die 70 Vasen, die Zierplatten und Teller nach Art der japanischen Imari-Porzellane bemalt. Als einziges uns erhaltenes Porzellanzimmer der Du Paquier-Zeit gehört es zu den wichtigsten und schönsten Denkmälern der Wiener Fabrik.

In den Keramiksaal zurückkehrend, finden wir in dem Schranke an der Innenwand der Seitengalerie des Glassaales nationale Töpferarbeiten, beginnend mit solchen aus Tirol, Salzburg, Krain und dem mährisch-ungarischen Grenzgebiete. Es folgen sodann galizische und siebenbürgische Töpfereien und solche aus Ungarn, Bosnien, der Türkei, Ägypten, Marokko und Spanien.

[27] Masner, Karl, Die Sammlung antiker Vasen und Terrakotten im k. k. Österr. Museum. Katalog und historische Einleitung 1892.

[28] Falke, J. v., Die k. k. Wiener Porzellanfabrik. Ihre Geschichte und die Sammlung ihrer Arbeiten im k. k. Österr. Museum. Mit 17 Tafeln. 1887.

Folnesics, J. und E. W. Braun, Geschichte der k. k. Wiener Porzellanmanufaktur, herausgegeben vom k. k. Österr. Museum. Mit 42 Tafeln, 1 Markentafel und 147 Illustrationen im Text. 1907.